new long interview

Oct.30, 2012

new interview. published oct 29th 2012.

SHARE THE MOMENT ———in “all about jazz”  by John Sharpe— one of the most happening jazz mag´s.

see here:

http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=43068&pg=1#.UJA0Vb-XXPA


BLINDFOLD TEST IN DOWN BEAT!

May.02, 2012

a classic blindfold test is just published in DOWN BEAT…. it looks like this:

http://www.downbeat.com/digitaledition/2012/DB201206/single_page_view/122.html



swedish azz photos

Mar.03, 2010

photo: marek wajda

 

 

 

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krakow, ALCHEMIA  feb 27th 2010

photos: Krzysztof Penarski


ULF OLSSON TEXT ON MUSIC

Feb.13, 2010

Ulf Olsson
THE SAXOPHONE MACHINE: MATS GUSTAFSSON

”A library of sounds” – that is how Mats Gustafsson once described the knowledge and ability that the improvising musician possesses. A library made up not of written sheets of music, of notation, but of the possibilities that the body offers the musician. It is within the body that sound is stored: in the bodies of musician and instrument respectively. Improvising is, then, to actualize that library of sound.
For a long time you could speak of Mats Gustafsson as a “saxophone player”. He left his northern hometown Umeå at an early age, moved to Stockholm, locked himself up inside a soundproof wardrobe, and practiced on that instrument for a couple of years. He wanted to become a saxophone machine, a machine worker impossible to distinguish from his machine, the instrument.
But leaving the wardrobe, he started to play – silence. Playing is also knowing when not to play. To wait for the sound. To let the sound rest. I know of no other musician who can play, and play with and against, silence, like Gustafsson. And then silence becomes an expressive part of his music.
At the same time, the instrument makes demands its own. The saxophone is a machine, and the musician a worker at his machine, he is the one forced to go to work every night. Every day he has to put his mouth to the mouthpiece and breathe life into the machine.
With time, the music of Mats Gustafsson becomes physical, beautiful, repulsive, powerful: bodily, most of all. Watching him perform on stage, you realize his closeness to dance and choreography. His relation to his instrument is that of a dancer. A body in motion, moving in space. There is no given closeness between man and his machine; it must be produced anew, every day.
The saxophone machine forces the musician to a take a stand. The saxophone includes within it everyone that has played on it before: the tradition. And every time you pick up the instrument, the musician must ask him- or herself: give in to tradition, consciously or unconsciously – or try to do the impossible: invent the instrument again? Mats Gustafsson has always chosen the latter alternative.
Deeply oriented in tradition, familiar with all those who have made the instrument possible to play, Gustafsson still creates ongoing situations where the musician must initiate a new relation to the instrument. He does it very concretely: playing on the mouthpiece only. Or through playing on an instrument of his own making, the flutophone, or playing the impossible-to-play-on glide saxophone. Or stopping the sound from leaving the instrument by holding it against his thigh. Or playing in an acoustic situation where the sound is so high that the only remaining possibility is to scream through the instrument.
And through arranging situations that force the musicians to move outside their normal ways of playing. Improvisation not as playing whatever enters your mind, but playing what is made possible by the situation. Free improvisation is based on the library of sound and the saxophone machine, it has always been prepared in that configuration, and it presupposes a script, realized or not, that does not notate what the musician should be playing, but opens a space for him or her to explore. The improvising musician then has to situate the resulting music: make room for it; bring it into a material shape.
It all comes down to an attitude toward sound and the world where that sound is to be listened to, the context in which music sounds. Mats Gustafsson became a listener, the musician who is always listening for the spaces in between, the narrow gaps and openings, the possibilities. And those possibilities are often to be found in other spaces, in new constellations. Don’t ever be scared of trying: playing solo or in a group, play for or play against. That is why the musician is not only an instrumentalist; he is also an agitator. And an organizer. Mats Gustafsson belongs to the kind of musician that is constantly looking for new spaces, and if they are not to be found, he tries to create them. He sees to that the most remarkable music can be heard in small provincial towns of Sweden as well as in London or New York.
Mats Gustafsson has become an international star within improvised music. His discography is already impossible to take in; he has played with almost every name within this type of music. But throughout this career, all along the way, he has slowly and firmly been moving into a new position: the improvising musician becomes a sound artist.
The foundation is broadened. What was from the start an obsession with sounds and, most of all, with his own, has become something larger, wider. But all the time, this search is situated within something tangible, material, physical. It is not by accident that Gustafsson is one of those artists that, in re-establishing contact with the improvised music of the Sixties, also have come to engage with its avant-garde poetry, to art as a happening. There, in something happening, sound improvisation and words meet and form something new, something else.
Or, a shape of music to come.
This text was originally an oral presentation of Mats Gustafsson, broadcasted by the Swedish Radio Channel One on May 7, 2005. – Ulf Olsson is a professor of Comparative Literature at Stockholm University. He has also published extensively – but in Swedish – on improvised music, from The Grateful Dead via John Coltrane to Anthony Braxton.


FIRE! photos

Jan.10, 2010

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Photo by Johan Bergmark

 

Photo by Johan Bergmark

Photo by Johan Bergmark

Photo by Johan Bergmark

 

 



2009 interview in french

Dec.07, 2009

http://www.lesondugrisli.com/

by guillaume belhomme

mats

Sous le nom de Sonore, Fire!, The Thing ou encore en tant que membre du London Jazz Composers Orchestra, Mats Gustafsson voit aujourd’hui paraître quatre de ses récents enregistrements. L’occasion de revenir sur son parcours, son rapport au jazz, ses besoins de  rock ou… de vinyles. Rapide, précis et électrique…

… Tous les sons sont de la musique… Tous les silences aussi… Alors, pour ce qui est de mon tout premier souvenir musical, j’évoquerais le souvenir d’un vinyle… Ca devait être un EP d’Elvis qui venait de la collection de disques de ma mère. C’était vraiment bon, mais un peu plus tard, j’ai goûté à Little Richard, le vrai roi du rock’n’roll… Ce qu’il est toujours !

Comment êtes-vous arrivé à la pratique de la musique ? Par ces disques, justement… Et aussi parce que j’avais 14/15 ans lorsque le mouvement punk a véritablement explosé en Suède…C’était plus que simple de se laisser gagner par le mouvement et de commencer à jouer dans des groupes, c’était tout naturel. A 14 ans, j’ai d’abord monté un groupe qui mêlait punk, improvisation et jazz rock : ça s’appelait Nirvana, un vrai truc de sauvage ! Et puis, un très bon club de jazz de ma ville, Umeå, programmait Steve Lacy, Per Henrik Wallin, Lokomotiv Konkret, Lars Göran Ulander et tant d’autres. Tout ça c’était la même chose pour moi : jazz, rock, punk. Tout ça c’était de la pure énergie !

Quels ont été vos premiers instruments et les musiciens qui vous motivaient le plus alors ? La flûte dès que j’ai eu 7 ans, et puis je suis passé au piano électrique mais c’était vraiment monstrueux de le transporter ici et là… Alors, après avoir assisté à un concert de Sonny Rollins en 1980, je suis passé au saxophone ténor. Quant aux musiciens, mon seul et véritable héros a toujours été Little Richard. Allez écouter les instruments à vents qui jouent derrière lui, ça aussi c’est sauvage !

Comment se sont passées vos premières années en tant que musicien à Stockholm ? Eh bien, j’avais 19 ans… La première année, je l’ai passée à m’entraîner au ténor dans mon placard à balai la nuit et à travailler à l’usine le jour. Et puis, je suis tombé sur des musiciens incroyables qui m’ont accueilli parmi eux et pris sous leurs ailes : Dror Feiler, Raymond Strid, Jörgen Adolfsson, Sten Sandell et d’autres encore… Ils constituaient alors une jolie petite scène à Stockholm…

Que vous ont-ils appris ? Enormément ! Ils m’ont apporté un soutien monstrueux ! Dror m’a beaucoup appris en matière de politique et d’idéologie autant qu’en musique. Il a été très compréhensif avec ce jeune type du Nord que j’étais alors. Ce que Raymond et Sten signifiaient pour moi était tout aussi énorme… Ils sont épatants ! Nous avons joué / improvisé ensemble régulièrement pendant des années, plusieurs fois par semaine. Nous avons beaucoup exploré ensemble, c’était une époque magnifique et très créative, propice à toutes recherches… Quant à Jörgen, il est sans doute le musicien le plus déprécié qui ait jamais existé. Son jeu d’alto est tout simplement « fanfuckintastic ».

Les musiciens américains ont aussi une importance particulière dans votre éducation musicale… Pouvez-vous me parler de ce voyage à Chicago que vous avez effectué au milieu des années 90 ? Eh bien, il s’agissait surtout pour moi d’aller y chercher des vinyles ! Mais c’était une époque de référence pour la musique créative, ils étaient tous à Chicago : Ken Vandermark, Jim O’Rourke, David Grubbs, Hamid Drake et tant d’autres. A cela, il fallait ajouter l’explosion du mouvement post-rock, la présence incroyable de la communauté du free jazz et puis la naissance de labels comme Okka Disk. Je suis très heureux d’avoir contribué à ce qui s’est passé à Chicago à cette époque. Cela signifie beaucoup pour moi, encore aujourd’hui…

Avec quels musiciens êtes-vous d’abord rentrés en contact là-bas ? Ken Vandermark, Hamid Drake, Michael Zerang, Kent Kessler, ont été les tous premiers… Et puis j’ai eu la possibilité de renouer avec Jim O’Rourke, ce qui m’a permis de collaborer avec Gastr del Sol et David Grubbs. Encore une fois, le milieu des années 90 à Chicago a été une époque formidable, tellement de choses se passaient là… Chicago est une putain de ville dans laquelle les choses se passent ! Beaucoup de super bars, de gens et de… vinyles.

Comment s’est fait votre recrutement dans le Brötzmann Chicago Tentet ? Joe McPhee et moi avons été appelés pour venir renforcer l’octette et le groupe s’est depuis consolidé autour de cette formule. C’est un groupe puissant, très rock, dans lequel on trouve des personnalités vraiment très singulières. C’est une sorte de volcan en fusion d’esprits créatifs dans lequel j’ai aussi beaucoup appris.

Vous parlez souvent de rock… Pouvez-vous évoquer ici vos relations avec Sonic Youth ou Cato Salsa Experience, par exemple ? Eh bien, ce sont des groupes qui produisent une musique terrible, et j’essaye de mettre mon grain de sel là-dedans. Il s’agit avant tout de confiance et de respect mutuel, et aussi de l’envie d’essayer des choses et de voir comment ça se passe. Ces musiciens s’intéressent tous beaucoup à la musique, à l’art, donc : en un sens, collaborer avec eux est très facile… La première fois que j’ai joué avec Jim, c’était à l’occasion d’une Company Week qu’organisa Derek Bailey en 1990… Il est tout simplement l’un des esprits les plus brillants que l’on puisse trouver dans le milieu de la creative music, voilà ce que je peux dire !

Pensez-vous appartenir à ce que l’on pourrait définir d’Internationale bruitiste qui rassemblerait des musiciens venus d’un peu partout qui mêlent jazz, noise, drone, etc. ?Peu importe comment tu appelles ça… Je n’aime pas catégoriser la musique. La musique est bonne ou ne l’est pas et s’il vous est donné de rencontrer des personnes qui font une musique tout autre que la vôtre, le résultat peut être passionnant. Mais il s’agit surtout de savoir qui est la personne avec laquelle vous jouez et non pas d’où elle vient, que ce soit géographiquement, historiquement, originellement ou musicalement. Il s’agit avant tout de qui vous êtes. Il y a de la super musique (et de la très mauvaise) partout dans le monde. Il suffit simplement de l’attraper…

The Thing fait une bonne balance entre free rock et free jazz, c’était le but de la chose ? Nous n’avons pas de but en particulier avec The Thing, si ce n’est celui de jouer une musique qui te botte le train, avec des éléments de musiques que nous aimons (ou détestons). Il s’agit surtout d’alchimie entre nous, nous jouons ce que nous jouons et nous jouons aussi qui nous sommes.

Avez-vous l’impression de jouer en ce moment la musique pour laquelle vous êtes fait ? Peut-être est-ce la musique qui joue de moi, qui sait ? Il n’y a pas de destin de cette sorte ; chacun se créé son propre destin. Tu crées ta propre musique, je crois que c’est comme ça que tout marche. Pour moi, en tout cas, c’est comme ça que ça marche.


new interview The Quiteus

Aug.03, 2009

in connection with The Thing´s gig at Field Day in London, this interview was published… touching on differnet subjects and especially Richard Wayne Penniman…

http://thequietus.com/articles/02327-field-day-preview-mats-gustafsson-of-the-thing-interviewed


The Thing Videos

May.27, 2009

The Thing 5.4.09, Excerpt 1, Tranzac, Toronto